В этой теме делимся информацией по поводу произведений японского искусства: прикладные ремесла, бонсаи, каллиграфия, и прочее.
Я начну с японской живописи.

Японское искусство расстановки срезанных цветов в вазе – икэбана - широко распространенное по свету и представляет собой уникальное явление в общечеловеческом мире искусства.
Икэбана тесно связана с живой природой и раскрывает подчас самую сокровенную ее тайну – гармонию. Являясь прекрасным средством эстетического воспитания, искусство аранжировки цветов вовлекает людей в сферу самодеятельного творчества, дает прекрасную возможность для создания более красивой, разумной и приятной жизни.
В Японии недавно открылась выставка "Икэбана - аранжировка цветов". Выставка интересна тем, что в качестве цветочков использовались обрезки и обломки березовых… поленьев и веток. Именно березовых. Именно поленьев и веток.

Вот несколько фотографий с этой необычной выставки:

Оригами, традиционное японское искусство создания из бумаги декоративных предметов, цветов и животных, получило широкое признание во всем мире. И в последние годы, по мере совершенствования техники оригами, появились весьма сложные и мастерски отточенные работы, выполненные только из одного листа бумаги. Новые приемы этого искусства разрабатывают как профессиональные художники, так и любители.

Некоторые энтузиасты даже применяют компьютеры для конструкции своих моделей.
Дракон, который выполнен из самой простой и доступной всем японской бумаги, демонстрируется в галерее Дома оригами, расположенного в нескольких шагах от станции метро Хакусан в токийском районе Бункё. Небольшой демонстрационный зал заполнен экспонатами, выполненными на самом высоком художественном уровне. Среди них можно увидеть вполне натурально выглядящих насекомых, динозавров и даже такие мифические существа, как единорог и Пегас.
"Большинство авторов этих работ целиком поглощены созданием сложных фигур. Как правило, это молодые мужчины-домоседы от 20 до 30 лет. "Мне даже кажется, что многие из них совсем не выходят из дома и даже не знают, как общаться с другими людьми", – говорит директор Дома оригами Макото Ямагути. И, указывая на одного из молодых людей, стоящих неподалеку, добавляет: "Вот и он такой же".

Молодым человеком оказался 22-летний Сатоси Камия – один из самых блестящих художников оригами в Японии. Это он создал удивительного дракона из листа бумаги величиной в 120 см. Скромный юноша создал первую версию своего дракона, когда ему было всего 17 лет. Его самыми оригинальные работами считаются T-rex, северный олень и легендарные существа, такие, как Бахамут. У него есть немало фанатичных поклонников даже за рубежом. "Я не помню, сколько дней у меня ушло на создание дракона. Но я не хочу делать эту модель снова", – улыбается застенчивый юноша.
"Мне удалось создать эту модель методом проб и ошибок. Обычно я уже хорошо представляю то, что хочу сделать, прежде начинаю сворачивать бумагу. Я только облекаю мою идею в форму", – продолжает Камия. Одна из его работ демонстрируется на международной выставке оригами в музее Мингей в Сан-Диего.


Среди других выдающихся художников оригами следует упомянуть Такаси Ходзё, работы которого будут демонстрироваться на международной выставке в Испании в мае этого года, а также Фумиаки Кавахату, инженера автомобилестроительной компании, издавшего несколько пособий по оригами с объяснениями, как складывать динозавров и других фантастических существ.
Макото Ямагути, который тоже является известным художником оригами, говорит: "Я открыл Дом оригами в 1989 году. До этого у нас не было постоянного места для демонстрации наших работ, хотя искусство оригами завоевало широкую популярность не только в Японии, но и за рубежом. Мы предложили регулярно проводить форум, на котором художники оригами могли бы обмениваться своими идеями, демонстрировать новые методы и таким образом вдохновлять друг друга. В итоге нашим художникам удается создавать намного более сложные формы".
В 1999 году Ямагути и его друзья основали Академическое общество оригами Японии (JOAS) с целью исследования потенциала этого искусства и установили широкие контакты за рубежом. Ежегодно Общество проводит международные выставки оригами.
Первым пособием по оригами была книга "Хидэн сэмбадзуру ориката" ("Тайна сворачивания тысячи журавлей"), изданная в 1797 году в период Эдо (1603-1868). В ней содержались диаграммы и иллюстрации классических образцов журавлей, выполненных в технике оригами.
В то время искусством оригами, в основном, пользовались для обучения детей, поэтому классические фигурки оригами были относительно просты. Обычно это были "якко" (слуга), "кабуто" (шлем самурая) и "цуру" (журавль).

В настоящее время количество поклонников оригами исчисляется десятками тысяч, причем не только в Японии, но и за рубежом, тем более что сейчас любую информацию об этом искусстве можно легко получить через интернет. Основанная в Токио ассоциация "Ниппон оригами" насчитывает более 10 тыс. членов в 30 странах, включая Бельгию, Великобританию, Колумбию, Египет, Израиль, Кению, Россию и Соединенные Штаты. В общество JOAS входят 2 тыс. членов из 25 стран.
Развитие геометрических методов оригами привело к созданию чрезвычайно сложных и невообразимых ранее форм этого искусства. Некоторые художники оригами используют компьютерные программы и создают работы, основанные на математическом анализе.
Техника оригами находит широкое применение и в промышленном дизайне. Например, на основе этой техники сейчас производятся канистры и бумажные чашки.
В прошлом году Ассоциация специалистов по прикладной математике создала целевую группу по исследованию оригами, в которую входят ученые, инженеры и другие любители этого искусства. Группа занимается поиском применения техники оригами в промышленном дизайне и технологии. Например, в настоящий момент проводятся исследования, как уменьшить степень поломки корпуса автомобиля в случае дорожной аварии. Используя технику оригами, дизайнеры пытаются создать такой корпус, который при ударе будет раскрываться, подобно цветку, не подвергаясь деформации.
Тосикадзу Кавасаки, профессор государственного технологического колледжа Сасэбо (префектура Нагасаки), является одним из ведущих специалистов, занимающихся академическими исследованиями оригами. Он приобрел широкую известность в 1997 году, когда стал первым математиком, удостоившимся степени доктора философии за исследования техники оригами.
Он также известен как автор знаменитой "розы Кавасаки", которая выглядит как живой цветок.
Кавасаки, который ведет занятия и в клубе оригами, увлекся этим искусством, когда учился в средней школе. Теперь он стал автором многочисленных пособий по оригами, наиболее известным из которых является "Техника создания морских существ". Он же был и одним из инициаторов организации выставки лучших работ.

Сам Кавасаки старается создавать работы, относительно легкие для исполнения. "Я предпочитаю создавать простые модели, которые сможет собрать каждый человек, – говорит он. – Однако, когда я вижу сложные работы, я испытываю счастье при мысли о том, что искусство оригами настолько развивается и совершенствуется".
В августе организация JOAS открывает в Токио 10-й международный форум "Оригами Тантэйдан", в котором примут участие мастера из многих стран. На форуме будет также впервые проводиться соревнование по созданию монстров и мифических существ.

Кокеши


Традиционные кокеши

- Искусство традиционных кокеши возникло в середине 18-го века, в эпоху Эдо. Из северо-восточной части острова Хонсю оно распространилось по всей Японии. Народная
игрушка кокеши состоит из цилиндрического туловища и отдельно прикрепленной к нему головки, которые вытачивались вручную мастером на токарном станке. Он же впоследствии ее и расписывал. Старинная технология, дошедшая до сегодняшних дней, используется при создании загадочных фигурок уже только в области Тохоку,


Не существует однозначного толкования, каким образом сложился этот тип игрушки. Одна из версий предполагает, что кокеши первоначально были шаманскими фигурками. По другой же - они являлись так называемыми поминальными куклами, которых ставили в крестьянских домах, когда приходилось избавляться от лишних новорожденных. В подтверждение этой теории - и значение слова "кокеши" - "забытое дитя". К слову, традиционные кокеши - это всегда девочки, в отличие от мальчиков менее желанные в крестьянских семьях.
Традиционные кокеши, называемые "денто", очень просты по форме. Понять, почему именно они так ценятся в Стране восходящего солнца, можно, вспомнив приверженность японцев к простоте и иносказанию, что отражается и в японской культуре. Примером могут служить поэзия хайку и деревянная архитектура синтоистских и буддистских храмов. Каждая кукла неповторима и является отражением характера и мимолетного настроения своего создателя.


Кобаяши Иносуке, 1997 г.

Размах изготовления кокеши совпал с периодом конца Второй мировой войны. Экономический рост в Японии сопутствовал появлению множества новых ("шингата") сувенирных кукол, отличительные признаки которых подсказывают, в какой провинции возник данный дизайн. Их пропорции и роспись разнообразны. В районе Кидзияма фигурки вытачивают из целостной части дерева: они одеты в узорчатый фартук и отличаются прической пажа "микадо". Область Наруко прослыла как родина "плачущих кукол". Их головки подвижны; роспись локонов на них напоминает стиль кукол императорского двора. Изображения хризантем безошибочно определяют родословную кокеши из Сакунами. На брненской выставке представлено одиннадцать типов, которые сформировались в течение длительного времени в отдельных районах.


Авторские кокеши, Секигуши Тоа, 1997 г.

Также представлены авторские кокеши, которые являются художественными оригиналами разных мастеров. В отличие от традиционного вида, им не присущ местный колорит, а техника производства не передается из поколения в поколение. Они появились, главным образом, после Второй мировой войны. Область их возникновения также не ограничивается регионом Тохоку. Их создатели живут скорее на окраинах больших городов, чем в деревнях. Кокеши в данном случае является средством выражения определенной тематики. Их создатели, в первую очередь, являются дизайнерами и не обязательно вытачивают кокеши на токарном станке сами, как это бывало раньше.


Мияима Мухитсу, Медитация, 1997 г.

Авторские кокеши - это перерождение куклы в статуэтку. Они исполнены философского смысла и носят поэтические названия. На экспозиции в Брно представлены статуэтки под названием "Весенний ветерок", "Цветочное дитя", "Сердце" и другие, которые по силе воздействия можно означить как феномен. Особенно притягательна композиция "Медитация": три отрешенные фигурки, каждая из которых выражает одно из состояний "не вижу", "не слышу", "не говорю".


Авторские кокеши - Иошида Такаши, 1997 г.

Культура японских татуировок

Какие ассоциации возникают при слове "Япония"? Самураи, суши, сакэ, анимэ, хокку - вот, что знает почти каждый приверженец японских обычаев.
Материал этой статьи посвящен относительно новому для западных стран обычаю - японской татуировке.
Истоки появления татуировок относят к тому периоду, который называется Дзюмон ( приблизительно 10 000 лет до н.э.). Само слово "Дзюмон" в буквальном переводе означает "Сплетение веревки".
И правда - древние татуировки(впрочем и те, что дошли до наших дней) больше всего походят на хитросплетение веревок или виноградной лозы. При этом каждый штрих рисунка, каждый нанесенный символ имеет свое особое значение.
Согласно японским верованиям, каждое животное несет в себе символ того или иного человеческого качества. Изображение животных - это символ единения с природой, подобие и гармоничность.
Например, изображение змеи - одно из самых древних художественных мотивов - повышает интеллектуальный уровень человека, развивает интуицию и даже ясновидение. Человек, носящий такой символ, делается более решительным, целеустремленным, активным, его воля становится железной, а дух - непоколебимым. Он преодолевает все жизненные преграды.
Изображение совы наделяло обладателя татуировки мудростью и тайными заниями.
Символ паука носили весьма немногие люди. Паук был символом власти, успеха в делах и стратегического склада ума. Людей, носивших этот символ, побаивались, испытывали к ним уважение и страх.
Изображение тигра было свойственно мастерам боевых искусств. Этот символ вошел не только в культуру татуировок, но и в названия стилей восточных единоборств, таких как ушу и кунг-фу. Тигр символирует большую ловкость и физическую силу. Символ непреклонности и величия.
В древние времена значение татуировки было гораздо более важно, чем в наши дни, они несли в себе понятный каждому смысыл.
Например, по узорам на губах женщины можно было определить, замужем ли она или нет, сколько у нее детей, какой социальный статус занимает она и ее муж.
Татуировки стали широко использоваться членами преступных сообществ - якудзами, что порой подводило их самих, выдавая их пренадлежность к тому или иному клану.
Японская татуировка представляла собой рисунок на религиозные буддийские темы и нередко покрывала большие участки тела - как одежда. Так, например гейши носили татуировки, потому что закон запрещал им быть полностью голыми.
Наверняка такой закон появился так же из культурных предпочетений, поскольку для японцев обнаженное тело никогда не было "божественным" или хотя бы просто красивым (что присутствует в западной культуре). Вид обнаженного тела не имеет для них даже самого малейшего шарма. Именно поэтому в их эротических картинах никогда не было обнаженных людей и эротичная женщина в их понимании никогда не обнажена. Японцы используют татуировку, чтобы "персонализировать" свое тело. Мужчина или женщина, татуированные художником, никогда не окажутся полностью обнажены, даже при полном отсутствии одежды.
Современный мир узнал в татуировках очень стильное украшение, форму самовыражения и физического измениния тела в культуре молодых японцев.
Но, несмотря на свою красоту, татуировка не может постоянно удовлетворять потребностям в моде.
Один молодой человек пишет: "если вы пытаетесь угнаться за модой, то помните - татуировка, это на всю жизнь. Вы уже не сможете надеть на работу рубашку из белой ткани, так как через ткань будет видна ваша татуировка".
Символизм, свойственный японским народам, наиболее сильно выражается в нанесенных на тело иегорлифах и пиктограммах (небольшие рисунки). Для того, чтобы нанести на свое тело( а наиболее часто на лицо или лоб) символ kami(бог), ryu(дракон), hoshi(звезда) или ten(небеса), мастера татуировок используют черную тушь и цветные порошки.
При этом сделать себе настоящую татуировку может лишь человек, достигший самостоятельности. В Японии это возраст с 20 лет. Считается, что татуировка прочно связывает человека с тем или иным духом, и поэтому решение о нанесении татуировки может делать лишь взрослый человек.
Но в то же время среди молодых японок татуировка так же является популярным украшением. Девушки наносят рисунки на свое тело менее прочными красками, чем те, что используют художники. Обычно в качестве красителей используется хна. Она держится от недели до месяца, в зависимости от концентрации.
Но, несмотря на то, что сейчас татуировками уже мало кого удивишь, подлинные мастера ремесла художественной татуировки живы и сейчас. Их таинства и глубокое знание своего искусства завораживает, и никогда не станет обыденным делом....

Японский танец

Не искусство скажите? =)

Традиционное танцевальное искусство Японии, возникшее в древности как элемент религиозных ритуалов, на протяжении столетий развивалось в тесном контакте с различными жанрами музыкального и театрального искусства. Японские танцы традиционно разделяются на «май», отличающиеся ритуальной сдержанностью, и «одори», для которых характерны более грубые, приближенные к повседневной реальности, движения.

Пример грамотного танца Гейши,обратите внимание что она следит за рукавами кимоно,запястье не должно быть открытым,но всё таки в некоторых моментах она делает это нарочно,как бы завлекая публику =)



Происхождение

Считается, что направление «май», которое буквально обозначает «вращение», берет свое начало в движениях храмовых прислужниц, которые кружились в ритуальных танцах с ветвями священного дерева «сакаки» и бамбука в руках, приносивших, согласно преданию, плодородие и спокойствие земле. Со временем движения и жесты, которым служительницы храма придавали религиозное значение, были формализованы, и ритуальный танец стал исполняться на сцене жрицами с веерами в руках. В дальнейшем он развился в хореографическое искусство театра «но». Как и древние ритуалы, от которых они произошли, танцы но и май исполняются обычно одним или двумя актерами, кружащими по сцене с веерами или подобными предметами в руках.

«Одори», что буквально означает «прыжок», возникло под влиянием определенных сект «дзёдо» — буддийской секты, широко распространенной в средние века среди простого народа. Секта дзёдо делала основной акцент на повторяющемся пении простых молитв («нэнбуцу») группами верующих, которые иногда подпрыгивали в ритме аккомпанировавших колоколов в примитивном танце, называвшемся «нэнбуцу одори». Вплоть до возникновения театра «кабуки» в период Эдо одори оставались именно такими видами танца, исполнители которых уделяют максимум внимания музыке, а не символическому значению жестов. Этот тип танцев существует в каждом районе Японии в виде народного танца «бон одори».

Хореография театра Кабуки

Танец «кабуки» первоначально считался разновидностью «одори», так как происходит от «нэнбуцу одори» и исполнялся под аккомпанемент популярных песен. Этот вид танца впервые исполнялся предположительно в начале VII в. в Киото труппой танцовщиц под руководством настоятеля храма Идзумо. Однако после 1629 г. правительственным указом, направленным на сохранение общественной морали участие женщин в кабуки было запрещено. После этого в кабуки играли мальчики, а когда и это было запрещено правительством - совершеннолетние актеры мужского пола. С развитием танца кабуки эта форма танца одори в значительной степени обогащалась элементами таких жанров «май», как «кусэмаи» — танец с речитативом, разнообразными формами «но» и «кёгэн». В то же время танец кабуки все теснее сплетался с драматическим сюжетом, превращаясь в театральную форму, дошедшую до наших дней.

Термин «нихон буе», или классический японский танец, скорее относится к хореографическому искусству кабуки и его производным, чем к древним и средневековым жанрам. Сегодня более 150 школ классического танца передают из поколения в поколение художественные стили лучших актеров и танцоров кабуки, живших в разные эпохи.

Укиё-э (яп. 浮世絵, картины (образы) изменчивого мира) — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо.

Слово укиё, дословно переводящееся как «плывущий мир», является омофоном к буддистскому термину «мир скорби», но записывается другими иероглифами.

Гравюры в стиле укиё-э — основной вид ксилографии в Японии. Эта форма искусства стала популярной в городской культуре Эдо (современный Токио) во второй половине XVII века.
Основоположником укиё-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу

Изначально гравюры были чёрно-белыми — использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»).

Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. Они предназначались в основном для городских жителей, которые не могли позволить себе потратить деньги на картины.

Для укиё-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. На гравюрах изображались прекрасные гейши (бидзин-га), массивные борцы сумо и популярные актёры театра кабуки (якуся-э). Позднее стала популярной пейзажная гравюра.



История

Стиль укиё-э зародился на волне урбанизации конца XVI века, что привёло к появлению класса торговцев и мелких ремесленников, которые начали писать рассказы или повести и оформлять их рисунками. Подобные сборники носили название эхон (яп. 絵本 — «книга картинок»).

Одним из примеров подобного искусства является издание 1608 года «Исэ-моногатари» («Повесть об Исэ») Хонами Коэцу. В подобных книгах широко использовались укиё-э в качестве иллюстраций.

Позднее гравюры стали печатать как самостоятельные произведения — какемоно (яп. 掛け物 — свиток с картиной или изречением) и афиши для театра кабуки.
В середине XVIII века была разработана технология получения многоцветных отпечатков, которые получили название нисики-э (яп. 錦絵 — «парчовые картинки», также известны как эдо-э).

Известными художниками этого периода были Утамаро, Хокусай, Хиросигэ и Тосюсай Сяраку. Изучая европейское искусство, японские художники переняли технику изображения перспективы на рисунке, также в гравюре развились пейзаж и другие жанры. Хокусай на своих гравюрах изображал в основном пейзажи и природу. В 1831 году был издан его знаменитый сборник «Тридцать шесть видов Фудзи (Хокусай)» (яп. 富嶽三十六景).

Винсент ван Гог, «Портрет папаши Танги» — пример влияния укиё-э на западное искусство
После революции Мэйдзи в 1868 году и открытия границ в Японию завозились достижения западной цивилизации.

Укиё-э постепенно выходит из моды заменяясь фотографией. В то же время гравюры в стиле укиё-э стали очень популярны в западной Европе и Америке, их начинают массово скупать искусствоведы.

Японские гравюры являлись источником вдохновения для европейских художников, работавших в стиле кубизма, импрессионизма и постимпрессионизма, таких как Винсент ван Гог, Клод Моне и другие. Это влияние называют японизмом.



Процесс изготовления

Для создания укиё-э требовались художник, резчик и печатник. Укиё-э изготовлялись следующим образом. Художник тушью делал на тонкой бумаге прототип гравюры, резчик приклеивал этот рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая таким образом первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения на получившийся набор форм и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.



Жанры гравюр укиё-э

*бидзин-га — изображение красавиц, основной жанр в гравюре укиё-э
*якуся-э — портреты популярных актёров театра
*сюнга («весенние картинки») — эротические гравюры
*катё-га — «цветы и птицы»
*фукэй-га — пейзажи
*муся-э — изображения знаменитых самураев

Спойлер:

Механические куклы каракури



«Давным-давно в Японии жил принц Кайа (794–871), сын императора Канму (781–806). Он был невероятно умелым мастером. Принц основал храм Киогокуйи посреди рисовых полей, протянувшихся вдоль берегов реки Камо.

Однажды королевство постигла засуха, река Камо высохла, подвергнув опасности рисовые поля. Тогда принц Кайа сделал куклу в виде мальчика, держащего в руках кувшин. Кукла была с секретом: когда кувшин наполнялся водой, мальчик поднимал его над головой и выливал себе на лицо. Люди, которые видели это однажды, приносили полные ковши воды вновь и вновь, чтобы увидеть чудо еще раз. Слух вскоре разошелся по всей столице, и поля удалось спасти. Тогда Принц Кайа спрятал куклу, чтобы вновь воспользоваться ею в следующую засуху.

В благодарность за спасение принца Кайю превознесли до небес, а история о его мудрости передается из поколения в поколение».


Это отрывок из книги «Кондзяку Моногатари» («Собрание стародавних повестей», 1120), вобравшей в себя более 1000 историй из средневековой Японии. Кукла мудрого принца Кайи – предвестник средневекового японского искусства «каракури нинге», традиции которого бережно хранятся по сей день.

В 18-ом веке голландские торговцы, единственные, кому был открыт путь в закрытую страну, показали японцам чудо европейской техники: механические часы с заводом. "Вау" - подумали, но не смогли сказать неизвестное тогда ещё слово японцы. Извлекли заводной мотор и грациозно удалились создавать человекоподобных роботов. Как легко заметить, с тех пор в шаблонах развития японской технологии практически ничего не изменилось. По крайней мере, польза от человекоподобных роботов по сей день так и осталась за кадром.

Говорят, что в 19-ом веке роботы-куклы каракури в Японии были столь многочисленны, что до наших дней дошла ровно одна. В те времена мастера хранили свои изобретения в деревянных сундуках на запорах, а патенты передавались от отца к сыну из уст в уста. Кукла приносящая чай, тя-хакоби ниньгё, сохранилась только потому, что в конце 18-го века мастер Хосокава Ханзо издал свою книгу чертежей "Каракури-зуй". Благодаря этому, теперь каждый, наделённый любопытством, лобзиком и свободным временем, выпилив аккуратно все детали из разных пород дерева, собрав всё без единого гвоздя и снабдив закрученной пружиной из натурального китового уса, может получить свою собственную приносящую чай куклу.

Механические куклы, созданные в средневековой Японии, до сих пор поражают своими возможностями. В наши дни, чтобы научить робота помогать по дому или устраивать театральные представления, используются электрические детали, компьютерные технологии, которые позволяют человеческим языком отдавать приказы машине. Не менее функциональные и куда более эмоциональные «каракури нинге» были чисто механическими. В переводе с японского «каракури» – это «сложное механическое устройство», а «нинге» («кукла») обозначается двумя японскими символами и означает «человек» и «форма».

С технической точки зрения «каракури» – это сочетание многих культур. В основе самых знаменитых кукол лежит часовой механизм.

Расцвет «каракури нинге» пришелся на эпоху Эдо – 250 лет тотальной изоляции от остального мира, в течение которых уникальная японская культура развивалась в отсутствие каких бы то ни было влияний извне. К 1639 году сегунат Токугава запретил японцам выезжать за пределы страны и ограничил внешнюю торговлю минимальными связями с Китаем и Голландией через порт Нагасаки. Все европейские книги были запрещены. В эпоху Эдо японские купцы и горожане ощутимо разбогатели. Вместе с благосостоянием возрос их интерес к развлечениям и украшению повседневной жизни. «Каракури» пришлись как нельзя кстати на городских праздниках, а также в домах состоятельных японцев. Механических слуг использовали и на деловых переговорах – они становились отличным поводом завести разговор с гостем и растопить лед.



В эпоху Эдо западному пониманию науки противопоставлялся подход, который состоял в созерцании природы в надежде познать принцип, смысл, объединяющий все сущее. Японцы придерживались целостного, объединяющего начала в науке, в то время как для Запада был характерен аналитический, расчленяющий подход. В эпоху Эдо изобретательство и механизация были признаны незаконными. Для лучших умов Японии одним из единственных способов заниматься любимым делом и иметь доступ к западным техническим новинкам из порта Нагасаки стало изготовление «каракури нинге».

Чтобы привести в движение «каракури нинге», использовали энергию текущей воды, пересыпающегося песка и даже горячего пара. Тем не менее главным энергоносителем для «каракури» всегда оставался часовой механизм. Он в наибольшей степени соответствовал основному принципу «каракури нинге»: источник энергии был скрыт от взглядов зрителей, кукла двигалась, как живая. К «каракури» относились не как к изобретению или механической игрушке, а как к чему-то живому, вещи в себе. «Каракури» не разрешалось разбирать, интересоваться внутренним устройством механизма было не принято.

В те времена в Японии изготавливали множество декоративных часов, так называемых «Вадокеи». Использованные в них западные часовые механизмы были особым образом адаптированы для Японии, где сутки делились на день и ночь строго по астрономическому рассвету и закату, а день и ночь, в свою очередь, еще на шесть частей. Таким образом, длительность дневных и ночных «часов» существенно различалась и менялась изо дня в день. В «Вадокеи» действовала сложная система противовесов и эксцентриковых колес, благодаря которой часы каждый день подстраивались под новые астрономические условия. Похожие системы использовались и в «каракури нинге».



Изготовление «каракури» требовало исключительного мастерства. Куклы делали из натурального дерева, без единого гвоздя. Для каждого вида деталей применялись строго определенные сорта дерева. По виду древесины (по ареалу произрастания редкого дерева) можно определить, откуда родом та или иная кукла. Особое значение имело направление среза дерева. К примеру, в деревянных шестернях волокна располагались равномерно, чтобы обеспечить равное усилие во всех направлениях. Сезонные кондиции дерева (например, влажность) также были важны для мастеров. Иногда им приходилось ждать по полгода, чтобы заготовить древесину в наилучший момент.

Для «каракури нинге» внешность не менее важна, чем внутренний механизм. Несмотря на неподвижные лица, механические куклы могут передавать широчайший спектр эмоций через нюансы движений головы, рук, туловища. При создании лиц использовалось искусство изготовления масок «но», в которых актеры японского театра «ногаку» способны передавать очень сильные эмоции.

Традиционно механизм, голова, руки, одежда «каракури» производились разными специалистами, а затем объединялись воедино. Лишь в поздний период мастер «каракури» изготавливал всю куклу целиком.



Существует три разновидности «каракури нинге». «Бутай каракури» предназначались для игры в театре. Многие японцы познакомились с «каракури», когда часовщик Такеда Оми дал свое первое представление в 1662 году. Его театр «Такеда-За» располагался на берегу канала Дотонбори, благодаря чему он мог использовать для своих шоу энергию текущей воды. Куклы «бутай каракури» не только разыгрывали драматические сценки и рассказывали истории, – важной частью действа были национальные японские танцы. Представления «бутай каракури» были чрезвычайно популярны, множество классических японских пьес было написано специально для механических кукол. Характерными движениями актеров в национальных театральных школах «Но», «Кабуки» и «Бунраку» мы обязаны именно куклам «бутай каракури».

«Даши каракури» были неотъемлемой частью уличных представлений. Ни один праздник не обходился без трех-этажных телег «даши». На верхнем этаже располагались механические актеры. Под ними прятались кукловоды (до пяти человек), они же были «голосами кукол». На нижнем уровне находились музыканты, также скрытые от зрительских глаз. Представления «даши» почти всегда имели религиозную основу. Телеги путешествовали по городу, увлекая за собой все больше горожан, напоминая им о вере. Ритуальными представлениями сопровождались Новый год и смена времен года, у высших сил просили дождя, урожая, спасения от болезней. Именно религиозная составляющая «каракури» позволяла их создателям быть в чести у властей, тогда как изобретательство было объявлено незаконным. В наши дни традиционные фестивали «Даши» регулярно проходят во многих городах Японии. Самые известные из них – фестивали в Инуяме, Нагойе, Такаяме и Киото.



Самыми сложными и загадочными были и остаются «зашики каракури». Эти небольшие механические куклы предназначены для работы в домашних условиях, для забавы состоятельных хозяев, развлечения дорогих гостей. К примеру, одна из самых известных «каракури» – «чахакоби нинге» (кукла, подающая чай) – могла прислуживать гостю во время чаепития. Кукла скользила по полу на небольших колесиках, скрытых длинными полами кимоно. Она подходила к гостю из дальнего угла комнаты, держа на подносе чашку с чаем, и замирала в ожидании. Когда гость брал чашку, кукла с поклоном отходила на исходное место.

Другая сложная «каракури», созданная Танакой Хисашиге – «Юми-ири-Дойи», – изображает меткого лучника. Кукла берет стрелы со специальной подставки, накладывает их на тетиву лука, поворачивает голову, бросая оценивающий взгляд на цель, прицеливается и пускает стрелу. Иногда лучник промахивается и на его лице как будто появляется оттенок смущения. Когда стрела попадает в цель, меткий стрелок выглядит очень довольным собой. В представлении деревянной куклы задействовано двенадцать движущихся частей тела.

Множество бесценных японских «каракури нинге» пострадало во время Второй мировой войны. Реставрацией и изготовлением новых механических кукол с соблюдением всех старинных технологий и традиций в наши дни занимается единственный потомственный мастер, Шобеи Тамайа IX. Его предок, Шобеи Тамайа I, изучал искусство часовой механики в далеком 1733 году. Во многом благодаря Шобеи Томайе IX настоящие «каракури» можно увидеть в музеях и на фестивалях «Даши» в Инуяме, Нагойе, Киото, Токио и других городах Японии.



С течением времени росло мастерство кукольников и, соответственно, появлялись новые типы игрушек. В это время многие из них предназначались уже не для любования, а для развлечения. Так, появились мицуорэ нингё (игрушки с тремя сочленениями - в бедрах, локтях и коленях). Им иногда придавали черты лица какого-то исторического или литературного героя. Мицуорэ нингё продавались вместе с игрушечным набором одежды. А иногда и без. Тогда они именовались хадака нингё (куклы-голыши). Предполагалось, что ребенок, получивший в подарок такую куклу, сам смастерит для нее платье. Если кукла была с женскими чертами, ее нередко называли амэсама нингё (кукла - старшая сестра). Такие игрушки становились спутниками японских девочек на все годы детства.

В начале XIX века в Японии стали изготовлять хадака нингё величиной с настоящего ребенка. Их называли ики нингё (живые куклы). Девочки часто рядили эти куклы в собственные платья и кимоно, что придавало такому общению особую прелесть. Иногда костюмы для таких кукол изготовляли из настоящих цветов. Это было непростое занятие и кику нингё (хризантемовые куклы) предназначались не для игр, а для различных экспозиций.



Талант японских механиков нашел отражение в механических игрушках (каракури нингё). Можно лишь удивляться тому, что в средневековой Японии мастера с помощью различных рычажков, шарниров, тяг и кулачков создавали конструкцию, способную двигаться, совершать запланированные действия. Недаром эти куклы ныне не без основания считают прообразом роботов ХХ века.

Особенности регионального дизайна можно отследить, сравнивая различные куклы, изготовлявшиеся в той или иной провинции, в том или ином городе. Замечательны, например, Кагосима дзидзо (изготовляющиеся на юге острова Кюсю), Хаката нингё (их делают в префектуре Фукуока), Фусими нингё (в окрестностях Киото). Все эти типы кукол перечислить практически невозможно. Едва ли не у каждого населенного пункта страны есть собственный вариант изготовления кукол и их украшения. Поэтому можно говорить о том, что в Стране восходящего солнца есть свой, оцененный иностранцами еще не в полной мере мир, мир кукол.



Чахакоби нинге

Назначение: Кукла, обслуживающая гостя во время чаепития – это одна из самых известных и сложных «каракури». Состоятельные горожане любили ее за то, что она помогала легко установить контакт с гостем, завести непринужденную беседу, «растопить лед». Деловые переговоры проходили гораздо легче, если им предшествовал такой ритуал.

Принцип действия: «Чахакоби нинге» держит в руках поднос с чашкой чая. Кукла подходит к гостю и предлагает ему чай. Когда гость берет чашку, деревянный человечек услужливо замирает, ожидая, когда на поднос поставят пустую чашку. Затем кукла разворачивается и возвращается на исходное место.



Мизухикиде нинге

Назначение: «Каракури нинге» всегда считались великолепным подарком. Знаком того, что «каракури» преподносится в подарок, служила яркая красная ленточка, повязанная вокруг лба или в волосах куклы. Ленточка, которой обычно оборачивались подарочные коробки, называется «мизухики».

Принцип действия: кукла движется на небольших колесиках, скрытых под длинными полами одежды. Величественная плавность движений – особая черта «каракури нинге». Актеры традиционных японских театров «Но», «Кабуки» и «Бунраку» стараются перемещаться по сцене столь же степенно, подражая средневековым механическим куклам.



Вара-ума нинге

Назначение: сложные «бутай каракури» радовали зрителей театральными представлениями. Еще более сложные компактные «зашики каракури», созданные для домашнего использования, порой демонстрировали не менее замысловатые сценки, предназначавшиеся лишь для глаз хозяина и его гостей. К таким куклам относится и эта отважная всадница.

Принцип действия: «Каракури» приводится в действие сложным часовым механизмом. Энергия скрыта внутри куклы, благодаря чему она выглядит как живая. Присутствие механизма выдает лишь ни с чем не сравнимый деревянный треск. Заглядывать внутрь куклы, чтобы узнать, как она работает, строго запрещено.



Мастера «каракури», несмотря на жесткие ограничения сегуната Токугавы, хотели и имели исключительную возможность впитывать в себя западные знания, просачивающиеся в Японию через порт Нагасаки. Эти всесторонне образованные люди, подобно античным мудрецам, были математиками, астрономами, химиками, врачами и искусными ремесленниками одновременно. Они были вынуждены вести отшельнический образ жизни, их тщательно охраняли, чтобы не допустить распространения «разрушительной силы знаний». Среди этих редких и необычных людей особенный вклад в развитие «каракури» внесли трое: Ханзо Йоринао Хосокава, Танака Хисашиге и Беникичи Оно.

Ханзо Йоринао Хосокаве мир обязан сохранением традиций «каракури нинге». Великий мастер написал труд «Иллюстрированная антология Каракури» в трех частях, изданный в 1796 году. Книга описывает изготовление четырех типов японских часовых механизмов и девяти видов механических кукол с подробными чертежами. В те времена выпуск книги, раскрывающей тайные секреты часовых механизмов, был настоящей революцией. Несмотря на исключительную осведомленность в западной науке, мастер сохранял преданность японским взглядам и учил наблюдению за живой природой: «Руль, к примеру, сделан по образу и подобию хвоста рыбы, а весла – по образцу рыбьих плавников. Такеда Оми наблюдал за детьми, играющими с песком, и придумал, как использовать энергию песка, чтобы привести в действие механизм».

Танака Хисашиге был гениальным механиком. Он изобрел «вечные» часы-календарь, рассчитанные на десять тысяч лет. Волшебный лучник «Юми-ири-Дойи» тоже плод его мастерства. Когда эпоха Токугавы закончилась, Танака основал компанию «Танака Сейзошо», ныне известную как корпорация Toshiba. Беникичи Оно, который всю жизнь скрывался от мира в скромной хижине в горной деревушке Оно, называют японским Леонардо да Винчи. Обладатель поистине энциклопедических знаний, в своих трудах он описал принципиально новые технологии в области медицины, физики, химии, астрономии и механики.

Что такое кинусайга?





Что остается от кимоно потом, после того как … В общем, вторая жизнь вещей…
Кимоно вещь дорогая.Вот так просто выкинуть немыслимо и невозможно… Часто можно встретить в книжных магазинах Японии в разделах книг по творчеству и рукоделию книги о вторичном использовании кимоно. Ткань от кимоно используется как красивая и эффектная вставка в одежде, и можно часто увидеть даже дизайнерские джинсы с вставками ткани от кимоно… Старое кимоно используется при изготовлении маленьких милых вещиц, которые по-японски называются комоно. В общем, даром ничего не пропадает )))
Но вот решила я рассказать еще об одном интересном применении старого кимоно, а именно в живописи.
Кинусайга это картины из шелка, но не батик, а нечто совсем необычное… Сначала художник делает эскиз на бумаге. Затем этот рисунок переводится на деревянную досочку. Контур рисунка прорезается желобками, или канавочками, не могу подобрать нужное слово… А затем из старого шелкового кимоно нарезаются маленькие, подходящие по цвету и тону лоскутки, и края этих лоскутков заполняют канавки. Когда смотришь на такую картину,возникает ощущение, что смотришь на фотографию, или даже просто наблюдаешь пейзаж за окном, настолько они реалистичны.

Здорово, завораживает!

Shibari - Дословно "Связывание". Японский термин, используемый в основном на западе, обозначающий японский стиль веревочного бондажа.

Это вид художественного творчества, суть которого заключается в создании композиций из человеческого тела и веревок. Есть, например, художники - они работают с холстом, красками и т.п. Есть скульпторы, их материал - мрамор, гранит, глина и так далее. Есть люди, занимающиеся боди-артом. Эти для своих творений используют краски, но вместо холста - тело человека. А люди, занимающиеся шибари, используют тело и веревки.
Во-первых, это красиво.
Во-вторых, для связываемого - это оздоровительный эффект: это и массаж, и вывод солей из суставов, и общее повышения настроения и работоспособности.
В третьих, присутствует психотерапевтический эффект.
В четвертых, элементы шибари многим помогают разнообразить сексуальную жизнь.
Есть фотографы и фотохудожники, использующие элементы шибари в своих работах. Есть люди, интересующиеся только сексуальным аспектом.

Коты в японском искусстве

Перед вами работа японского художника Ryusei (Yoshimi) Okamoto , на ней красивая девушка, ее левая грудь немного обнажена, и она держит корзину с котятами. Как вы думаете, о чем этот пост? Правильно, о девушках, о котах... Мальчики и девочки! Дамы и господа! Вы не забыли, что 3 февраля наступил японский Новый год Кота? Принято считать, что по Восточному гороскопу наступает год Белого кролика, но он имеет и другого покровителя - Кота. Есть некоторая двойственность и разница в японском и китайской астрологической системами, которые мы по привычке объединяем в понятие Восточный гороскоп. Эти системы очень близки, но на четвертый год 12-летнего цикла начинаются разногласия. Хотя это только нам, людям с европейской культурой, кажется, что между котом и кроликом большая разница. Для восточного сознания важно, что оба животных приземляются на четыре лапы, то есть умеют выходить сухими из воды.


Эта работа великого Андо Хиросигэ опубликована в 1857 году, гравюра из цикла "100 видов Фудзи". На ней изображена кошка, смотрящая из окна публичного дома в районе Ёсивара.


Эту красивую белую кошку с красным воротником на черном фоне нарисовал художник Хироаки Такахаси (1871-1945), художник принадлежал к движению Shin Hanga, изготовил большое количество гравюр для магазина Ватанабэ. Эта гравюра с таким красивым дизайном была впервые опубликована в 1926 году. Издатель - Watanabe Shozaburo.


Автором этой гравюры тоже является Хироаки Такахаси. Один из оттисков находится в Музее изобразительных искусств в Бостоне, США. На гравюре изображена красивая обнаженная девушка на красном фоне, играющая с черным котом.

ФУРОШИКИ - японские узелки
В последнее время на просторах интернета часто стала появляться информация о древнем японском искусстве складывания ткани "фурошики". Эта интересная техника зародилась ещё в 710 – 794 нашей эры в Японии. Слово "фурошики" буквально переводится как "банный коврик" и представляет собой квадратный кусок ткани, который использовался для заворачивания и переноски предметов любых форм и размеров.

История
Фурошики вошли в быт японцев давно. Сохранились древние свитки периодов Камакура-Муромати (1185 - 1573 гг.) с изображениями женщин, несущих на головах упакованные в ткани связки одежды.

Первоначально для изготовления фурошики использовали любые ткани с любым узором. Однако в эпоху Эдо (1603 - 1867 гг.) определенная расцветка фурошики уже могла обозначать принадлежность аристократической семье или определенному магазину.
Легкость сворачивания и прочность стали определяющими в подходе к выбору ткани для фурошики. Толстые ткани уступили место более тонким и прочным. Постепенно большинство фурошики стали изготавливать из хлопковых тканей. Сегодня фурошики делают из хлопка, шелка и смешанных тканей, со стороной 40-80 см.
Фурошики очень удобен в применении: ткань принимает форму предмета, который вы заворачиваете, а ручки позволяют легко перенести груз. Кроме того, подарок, завернутый не в жесткую бумагу, а в мягкую, многослойную ткань, приобретает особую выразительность. Если нужно что-то сделать практично и красиво, то за этим лучше всего обращаться к японцам. Каких только традиционных практичных искусств они не придумали – от айкидо до бонсая. В последнее время, европейские рынки все чаще приглядываются к еще одной чисто японской выдумке – особой технике упаковки. Какая уж тут практичность, скажете вы, глядя на манипуляции японского продавца. Это же какое-то произведение искусства!


Японская техника упаковки как раз и называется ФурошИки. Ей более тысячи лет. Причины для появления самой идеи упаковки в Японии были те же, что и в Европе – необходимость сохранения и консервации продуктов питания. Однако в отличие от европейских стран с холодным и жестким климатом, японские поселения возникли в более благоприятных для собирательства и рыболовства условиях. Именно поэтому идея европейской упаковки основывается на сохранении содержимого как можно дольше, японская же упаковка всегда мыслилась как временная красивая оболочка.


А вот еще одна практичная сторона вопроса – попробуйте представить, как удобно нести такую упакованную дыню. И даже подарить ее кому-нибудь не стыдно!


Кстати для подарочной упаковки выбирается более сложный вариант ткани – с узорами. Даже стопка завернутых книг выглядит в ФурошИки очень стильно. К тому же ФурошИки – отличная замена неудобным и тяжелым рюкзаками и портфелям.


Кстати, недавно на компьютерном рынке Японии появилось новое предложение – упакованные в традиционном стиле ФурошИки ноутбуки.


Дань традициям и идеальное владение техникой приводит к тому, что ни один предмет не воспринимается как законченный, если его правильно не обернуть.


Ну хорошо, скажете вы, с несъедобными предметами все понятно, но как они запаковывают в ткань продукты?


Знаменитые японские сладости всегда завернуты по ФурошИки. Каждая конфета обязательно отдельно. Напитки, элементы японского фастфуда, а также посуда и палочки для еды заворачивается в традиционные материалы: японскую бумагу, солома, шелк. Часто такая упаковка имеет сложную геометрическую форму.


Кстати, несмотря на сложность упаковки, вопросов – как ее открыть – не возникает никогда.

Всегда бывает достаточно нескольких нехитрых манипуляций.


Интересно, а кимоно тоже … ФурошИки? Может японцы так девушек к празднику заворачивали?

Схемы фурошики
Вот несколько схем (с сайта министерства окружающей среды Японии ) для оформления упаковки в технике фурошики:

Кусудама(яп. 薬玉?, букв. «лекарственный шар») — бумажная модель, которая обычно (но не всегда) формируется сшиванием вместе концов множества одинаковых пирамидальных модулей (обычно это стилизованные цветы, сложенные из квадратного листа бумаги), так что получается тело шарообразной формы. Как вариант, отдельные компоненты могут быть склеены вместе. Иногда, как украшение, снизу прикрепляется кисточка. В древней Японии кусудамы использовались для целебных сборов и благовоний.

История
Искусство кусудамы происходит от древней японской традиции, когда кусудамы использовались для фимиама и смеси сухих лепестков; возможно, это были первые настоящие букеты цветов или трав. Само слово представляет комбинацию двух японских слов кусури (лекарство) и тама (шар). В настоящее время кусудамы обычно используют для украшения или в качестве подарков.
Кусудама является важной частью оригами, в частности, как предшественница модульного оригами. Её часто путают с модульным оригами, что неверно, так как элементы, составляющие кусудаму, сшиты или склеены, а не вложены друг в друга, как предполагает модульное оригами.
Однако, кусудаму всё же рассматривают как разновидность оригами, хотя борцы за чистоту оригами смотрят косо на характерную для кусудамы технику сшивания или склеивания. В то же время другие признают, что в раннем традиционном японском оригами часто использовалось разрезание бумаги и склеивание, и отдают должное кусудаме как важному объекту складывания среди других моделей оригами.
Современные мастера оригами, такие как Томоко Фусэ, создали новые конструкции кусудам, которые полностью собираются без разрезания, клея или ниток.

Сама периодически занимаюсь сим делом, и скажу вам, что дело очень занимательное и интересное, особенно когда не понимаешь схему и думаешь, в какую сторону, что заворачивать :D